Als Mitte der siebziger Jahre die Kritik an der Dominanz der modernen Kunst, die nach immer größerer Reduktion und Minimalismus strebte, lauter wurde, waren die Architekten die ersten, die sich zu Wort meldeten. Sie verurteilten die stereotype Architektur, die die Reinheit des Betons feierte und das Detail völlig vernachlässigte. Es begann die Ära der Postmoderne – eine Zeit des bewussten Recyclings und der spiralförmigen (sogenannten zirkulären) Wirtschaft. Ihnen schlossen sich auch bildende Künstler, Galeristen und Kunstkritiker an, unter denen Bonito Oliva als lautester Vertreter das neue Zeitalter der Transavantgarde ankündigte. In den achtziger Jahren, als Antonio Hase mit seiner Malerei in die Kunstszene eintrat, öffneten sich Räume für eine neue Malerei, eine neue Freiheit des Ausdrucks und den Pluralismus – aber auch für das vor- und nachmilleniale Chaos oder den Dekonstruktivismus, der bis heute vorherrscht. Die Medien berichteten damals über das Chaos als einen Zustand im Universum, den die Wissenschaft bestätigt hatte – in dem nicht eine perfekte Ordnung herrscht, wie man zuvor angenommen hatte, sondern in dem das Chaos eine wesentliche Rolle im Bestehen spielt. Die Malerei von Antonio Hase ist auf das Universum gerichtet – jenen verzauberten Raum, in dem wir existieren und auf unserer Planetenbahn durch das All gleiten. Wir sind verzaubert von dieser Reise, die niemals vollständig zu begreifen ist. Seine Bilder sind gegenstandslos, voller Emotion und gelebter Erfahrung. So persönlich sie in der Wahl der Farben und Pinselstriche sowie in den Bildstrukturen sind, die sich je nach Stimmung verändern, so universell und metaphysisch wirken sie zugleich. Sie erzählen nichts, streben keine Symbole an, sondern wirken unmittelbar auf unsere Sinne. In dieser stummen Kommunikation der bildnerischen Sprache teilen wir mit dem Künstler einzelne Momente seines persönlichen Erlebens, die er in seinen Bildern zum Ausdruck gebracht hat – auch wenn jeder Betrachter letztlich das sieht, was er sehen möchte. Die Schönheit und der Wert dieser Bilder liegen in der Tatsache, dass der Künstler uns nichts weiter suggeriert, als das, was wir bereit sind, durch den Blick auf Farben und Formen aufzunehmen – durch die Vielfalt der geschaffenen Konstellationen und die starken Schwingungen, die die Bilder ausstrahlen. Antonio Hase hebt drei große Persönlichkeiten hervor, die seine Entscheidung zum Enformel beeinflusst haben. An erster Stelle steht Vlado Kristl, mit dem ihn eine enge Verbindung verband, gefolgt von Emil Schumacher, der – nebenbei bemerkt – dank seines Sohnes Ulrich in Hagen ein prächtiges Museum erhielt. Ebenso zählt er den kroatisch-tschechischen Architekten Vlado Milunić dazu, der in seine Architektur die postmoderne Dekonstruktion einbrachte. Diesen postmodernen und neomilleniaren Dekonstruktivismus hat der temperamentvolle Antonio Hase zu einer originellen und authentischen Handschrift – einem eigenen „Bilderschriftzug“ – weiterentwickelt, mit dem er seit vier Jahrzehnten fesselnde und faszinierende Werke schafft. In dieser kleinen Retrospektive seiner Bilder können wir den reflektierenden Impuls des Künstlers erahnen und mit ihm aufrichtige sowie poetische Erfahrungen der bildnerischen Wahrnehmung eines verzauberten Universums teilen. Die Farben von Antonio Hase sind feurig, leuchtend, rein und strahlend; seine Pinselstriche sind schwungvoll und üppig. Hinter jedem Bild verbirgt sich eine tiefere, persönliche Idee des Künstlers. Doch wie alle Maler des Enformel erlaubt auch Antonio Hase dem Betrachter nicht, ihm zu nahe zu kommen. Seine Malerei bleibt rätselhaft. In der Universalität von Farben, Formen, des Rhythmus und der Freiheit des Ausdrucks stellt der Künstler dem Betrachter unaufdringliche Fragen – ohne nach Antworten zu suchen. Er überlässt ihm schlicht und einfach das reine Vergnügen des Schauens.